Archivos de la categoría ojos de mujer

Sección dedicada a la pintura, fotografía y artes plásticas en general, hecha por mujeres de todos los tiempos.

OJOS DE MUJER, NOVIEMBRE 2019: BLANCA MUÑOZ 6ª MUJER ACADÉMICA DE SAN FERNANDO

La escultora Blanca Muñoz, sexta mujer académica en San Fernando

La artista afirma que la institución “tiene que dejar de ser un lugar tan exclusivo de hombres y abrirse al arte femenino”

El 25 de noviembre, se eligió a la artista Blanca Muñoz como miembro por la sección de Escultura en la Academia de Arte San Fernando. Con este nombramiento son 52 académicos numerarios, de los que solo seis son mujeres.

Blanca Muñoz (Madrid, 1963) se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, atraída desde un primer momento por las relaciones entre la escultura y el arte gráfico. Como ella misma dice, una mujer escultora es un caso raro: “Mírame: no soy Mazinger, pero aquí estoy”.

Además de mujer y escultora ahora será académica, en una institución pegada a las tradiciones. “Falta sangre nueva en la academia, con artistas que estamos al corriente de la actualidad para no aparentar ser una institución del siglo XVIII. Hay gente muy válida, pero debe renovarse para abrirse a la calle”, ha explicado la artista.

Blanca Muñoz nació en Madrid en 1963, ciudad en la que actualmente vive y trabaja.

Estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense, de Madrid. Entre 1990 y 1991, disfrutó de una Beca en la Academia de España en Roma. Entre 1992 y 1993 fue nuevamente becada, esta vez en México. Es también importante en su formación el periodo que pasó en Londres, entre 1998 y 1999, trabajando con técnicas de estampación digital.

Su pagina web es su carta de presentación donde nos invita a entrar en su mundo escultórico con multitud de propuestas y exposiciones.

http://www.blancamunoz.com/

Ojos de mujer, octubre 2019: En nombre del Arte, Marina Hernández de los Ríos

“En nombre del Arte” es el segundo corto de nuestra cineasta particular, Marina Hernández de los Ríos. Una historia con ojos de mujer que acaba de empezar a participar en festivales y ya ha quedado finalista en el segundo certamen de: “Festival Madrid integra 7 arte” y que se proyectará el mes de noviembre en una sala de la capital. Todo un lujo tener este making of que demuestra todo el ingente trabajo que hay detrás de un corto.

¡A comerse el mundo con arte, Marina, mi chica más bailona!

OJOS DE MUJER, SEPTIEMBRE 2019: PASIÓN POR LAS ALGAS (ANNA ATKINS)

PASIÓN POR LAS ALGAS

Retrato de Anna Atkins, primera mujer reconocida como fotógrafa en el mundo, hacia el año 1861.

Anna Atkins (Tonbridge, Kent, 1799-1871) Fue una botánica inglesa. Es considerada la primera mujer fotógrafa y fue la primera persona en publicar un libro ilustrado exclusivamente con imágenes fotográficas, Fotografías de las algas británicas: Impresiones Cianotipos, publicada en 1843.

Sir John Herschel, un amigo de Atkins y de su padre, inventó el proceso fotográfico de cianotipia en 1842. Atkins aplicó el proceso para resolver las dificultades de realizar dibujos precisos de especies científicas y se autoeditó la primera entrega de fotogramas de cianotipos de algas. Solo se hicieron unas tres copias del libro, una de las cuales se encuentra en el National Media Museum en BradfordInglaterra. Continuó publicando otras entregas de la serie British Algae, además de otros libros como Cianotipias de las Plantas con Flores y Helechos Británicos y Extranjeros (1854).​

El trabajo en conjunto con su padre, la botánica, la fotografía y el dibujo, lograron conseguir un trabajo minucioso, perfecto y precioso. Su talento y genialidad la llevaron a ir más lejos de lo que hasta ese momento solo era demostrado por una máquina, superando las expectativas de los escépticos. Su trabajo fue el primer intento de plasmar imágenes de la forma más objetiva posible, traspasando el ámbito científico hasta hoy, y logrando ser un aporte único a las artes y la estética.

OJOS DE MUJER, AGOSTO 2019: ANNIE LA DE MANCHESTER

 

Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844–1933) fue una pintora británica más conocida por sus retratos y obras simbolistas, pero que también fue una paisajista capaz. Estudió en Manchester School of Art, Académie Julian, y en Roma. Swynnerton fue influenciado por George Frederic Watts y Edward BurneJones. Es la primera mujer elegida en la Royal Academy of Arts en 1922.

De 1874 a 1876, tomó clases de arte en Roma junto con su amiga y compañera artista, Susan Isabel Dacre

Swynnerton pintó retratos, figuras, obras simbolistas y paisajes. “Ella estuvo muy influenciada por Watts, y muchos de sus temas eran del tipo alegórico o simbólico que era su fuerte. Su dibujo era sólido, y tenía una forma escultórica aliada a la fresca, color roto que muestra afinidades con el Impresionismo. Un ejemplo de una de sus obras alegóricas es El sentido de la vista, que representa a un ángel visitante de la tierra que encuentra y se conecta al cielo usando su visión. El catálogo de la exposición de Tate “Expuesto. El desnudo victoriano” afirma que “Annie Swynnerton, con sede en Roma, fue una de las pintores femeninas más atrevidas del público desnudo, a menudo impactante con sus figuras pintadas de forma robusta”.

Las obras de Swynnerton incorporaron aspectos del neoclasicismo, parrafaelitismo e impresionismo. La Revista de Arte describió una de sus obras, “Diseño altamente imaginativo de [Swynnerton] es Mater Triumphalimo. Las extremidades de la figura tienen un contorno algo pesado, mientras que hay una cierta apariencia metálica en el color que está bastante alejado de la idea de la sangre que fluye en un cuerpo humano. “. También era experta en pintar niños como se comprueba en sus obras.

Os dejamos algunos de los hermosos cuadros de Annie, otro descubrimiento británico de este plantel de agosto.

Sentido de la vista, 1895
Joven madre, 1885
Ilusiones, 1900

 

OJOS DE MUJER, JUNIO 2019: ANNA Y SUS TRES OJOS INTELIGENTES (1721-1782)

Anna Dorothea Therbusch (1721-1782)

Autorretrato de de Anna Dorothea de 1777, con sus tres ojos de pintora

Fue una pintora Rococó nacida en el Reino de Prusia. Se conservan aproximadamente 200 de sus trabajos, y pintó al menos ochenta y cinco retratos verificados. Nació en Berlín. Provenía de una familia de artistas. Anna Dorothea se casó con el hostelero de Berlín Ernst Friedrich Therbusch, tuvo 4 hijos y dejó de pintar durante 15 años para ayudar a su marido en el restaurante. Una vez liberada de sus obligaciones familiares, siendo una mujer madura, abandonó su familia para regresar a su arte.​

En 1760 aparece pintando con éxito y recibe encargos en la corte de Stuttgart, en la de Mannheim y en la de Berlín en 1764. Las primeras obras de las que se tiene constancia después de su regreso a la pintura son de 1761 en el tribunal de Stuttgart del Duque Carlos Eugenio de Wurtemberg Pintó dieciocho cuadros en un tiempo muy corto para la galería del castillo. En 1762 llegó a ser miembro honorario de la Academia de las Artes de Stuttgart, y trabajó en Stuttgart y Mannheim. En 1765 se instaló en París. La Real Academia francesa de Pintura y Escultura mostró su primer trabajo, la pieza titulada El Bebedor, aunque le rechazan una pintura mitológica. Es criticada y respetada por su profesionalidad pero no tiene encargos. Denis Diderot, el filósofo y crítico de arte, fue comprensivo con ella, hasta el punto de encargarle un retrato de sí mismo con el torso desnudo, que no ha llegado hasta nuestros días.

En 1768, abandonó París con destino a Holanda, dejando deudas. Tras una breve estancia en Bruselas siguió viaje a Viena, donde la aceptaron en la Academia por el retrato de Hackert. Finalmente, llega a Berlín en 1769, llegando a ser la pintora más importante de Prusia, donde se la tenía en alta estima

Pintó el retrato de Federico II el Grande, cuyo recién construido Palacio de Sanssouci decoró con escenas mitológicas. También pintó retratos de ocho miembros de la realeza prusiana para Catalina II de Rusia (Catalina la Grande). Aunque Anna Dorothea nunca fue a Rusia, los coleccionistas rusos apreciaron su trabajo.

Murió en Berlín a la edad de 61 años, y fue enterrada en el cementerio de Dorotheenstadt, cuya iglesia fue destruida en la Segunda Guerra Mundial. Su tumba quedó intacta.

Su relación con Diderot inspiró a Eric-Emmanuel Schmitt para escribir su obra de teatro Der Freigeist (“El Espíritu Libre”), también conocida como Der Libertin (“El Libertine”)

Su autorretrato de 1777 tiene una fuerza espectacular.

Bienvenida a Otrasquebaileen, Anna, esta es tu pista de baile.

OJOS DE MUJER, MAYO 2019: ANA MENDIETA, LA AVANZADA A SU TIEMPO

ANA MENDIETA (CUBA 1948-EEUU, 1984)

El blog de Concha Mayordomo nos hace un retrato muy interesante e ilustrativo sobre la artista Cubana Ana Mendieta. Nació en La Habana (Cuba) en 1948. A la edad de 13 años comenzó una segunda vida cuando, junto a su hermana mayor Raquel,  y llegó a Estados Unidos como parte de la Operación Peter Pan.

Fue una artista única con una carrera muy corta en el tiempo, pero muy productiva e intensa. Durante los últimos años su obra ha recibido un enorme reconocimiento, valorando especialmente su conexión con la naturaleza, con la humanidad, el feminismo y la espiritualidad, y sigue siendo inspiración e influencia para infinidad de artistas actuales.

Marina Hernández, nuestra otra chica de Otrasquebaileen está rodando en estos días un corto titulado En el nombre de arte, basado en la vida de Ana Mendieta y que os presentaremos cuando esté listo. Os adelanto que vas a quedar espectacular.

Os paso el enlace del blog para que la descubráis mientras tanto:

http://conchamayordomo.com/2018/01/22/ana-mendieta/

OJOS DE MUJER, ABRIL 2019: LOS OJOS TRISTES DE DORA MAAR

 

Mujer araña, autorretrato
Modelo con estrella 1934
Mano saliendo de concha, 1934

Los ojos tristes de Dora Maar (Francia,1907-1997)

Su vínculo con Picasso fue el pilar torcido de su vida en todos los sentidos. Su familia no estaba de acuerdo con esta relación tóxica. En su casa se hablaba francés y castellano. Fueron muy cosmopolitas y las fotografías de su juventud muestran a Dora desde paisajes de los Alpes hasta zonas tropicales. Dora vivió en la Argentina desde sus tres hasta sus veintitrés años. Según Pablo Picasso aquella joven, de la que estuvo enamorado durante la guerra civil y la ocupación de Francia, «hablaba con argentinismos».

Dora Maar debió pintar sobre los años 1950. En ese entonces la fotografía no estaba tan bien considerada como ahora. Así pues, los fotógrafos solían ser también pintores. Picasso ironizaba sobre la actividad fotográfica de Dora, quien fotografió el proceso de composición del Guernica.

Surrealismo

Era amiga íntima de André BretonPaul Éluard y Nusch Éluard. André le escribe pidiéndole que recoja los dibujos y objetos realizados por los locos del asilo de Sainte-Anne, donde más tarde ella misma sería ingresada. Dora se sentía atraída por la muerte. Experimentaba con los objetos desproporcionados como un recurso que desestabilizaba nuestra realidad. Dora fue activista de los derechos humanos.

En 1945 a Picasso ya no le interesaba Dora y ella empezó a mostrar un comportamiento extraño y paranoico. Fue psicoanalizada y posteriormente, ingresó en el hospital de Sainte-Anne. Le aplicaron electroshock y fue Paul Éluard quien dijo a Picasso que la sacara de allí. Paul Éluard que era el mejor amigo de Dora en ese entonces, acusó a Picasso de hacerla sufrir demasiado.

Dora Maar fue maltratada, tanto psicológicamente como físicamente por Picasso. Varios testigos afirman haber presenciado palizas hacia la artista. Un chófer relata como el pintor subió un día a Maar al coche ya inconsciente. 

Maar murió en 1997 y en su testamento dejó todos sus bienes a su padre y a un monje. Sus bienes se componían de 130 Picassos y la mayoría de sus fotografías. Ella había vendido algún Picasso cuando se había sentido en apuros económicos, pero siempre con el permiso de éste. El apartamento en el que se recluyó era un fiel reflejo de su compleja personalidad.

Su obra, propiamente surrealista, tiene una calidad y originalidad excelente. A mí me ha cautivado descubrirla.

Querida Dora, allí donde vague tu alma dolorida, te mandamos besos y abrazos de hermanas.

OJOS DE MUJER, MARZO 2019: NUNCA EL SILENCIO (TEATRO -DANZA, LA CONFLUENCIA)

NUNCA EL SILENCIO. CONCHA ROBLES

Obra de teatro-danza

‘La Confluencia’

Actriz y bailarina: Leticia Valle.

Directora y dramaturga: Ascensión Rodríguez

Flamenco: Rocío Zamora y Gabriel Pérez

Música electrónica: Juan Manuel Cidrón

Audiovisuales: Daniel Ortega

Sonido: Chencho Nzo

Texto: Mar de los Ríos

Leticia Valle en cuatro momentos claves del espectáculo.

El equipo de ‘La Concluencia’ saludando con el teatro Apolo puesto de pie en el estreno de: ‘Nunca el silencio’

El viernes 15 de marzo se agotaban las entradas en el Teatro Apolo de Almería según la expectación despertada con la obra ‘Nunca el silencio’, mi primera incursión en el teatro de la mano de la compañía de teatro-danza ‘La Confluencia’. Uno de mis relatos de ‘Con el viento en los zapatos’  sirve de base para construir un todo poderoso que queda a cargo de la actriz-bailarina Leticia Valle. El espectáculo pone en pie la dramatización de la vida y trágica muerte de la actriz Concha Robles (Almería 1887-1922) asesinada por su exmarido en el Teatro Cervantes, el 21 de enero de 1922.

Contemporáneo La pieza comenzaba con una música electrónica de Juan Manuel Cidrón, que representa el homenaje de la época actual ante la valentía de una mujer de hace un siglo, quien levanta la cabeza ante el maltrato e intentaba redirigir su vida desde la libertad, volviendo a las tablas con la obra: ‘Santa Isabel de Ceres’. “Siempre te querremos, Concha”, fue la pintada a modo grafiti con la que se cerraba la primera parte, acompañada con danza contemporánea.

Texto dramatizado La segunda parte del espectáculo comienza por exponer parte del texto que Concha Robles le dio tiempo a interpretar a su público de Almería, el fatídico día de su asesinato a manos de su exmarido, Carlos Verdugo. Después se hilaba con mi texto dramatizado, a cargo de la dirección y adaptación de Ascensión Rodríguez. Este se centra en la  reflexión de la actriz en su camerino, rememorando su vida de maltrato e intentando ilusionarse con su nueva etapa, a través de la concesión de su demanda de separación. La Guajira bailada por Leticia Valle y la pieza de danza contemporánea dedicada a la angustia de vivir sin respirar como víctima dejan al tiempo sin aire a la platea. Impresionante el trabajo físico y anímico de Valle, acompañada otra vez por la frialdad de la música electrónica.

Flamenco La muerte de Concha Robles, con dos tiros entre bambalinas por parte de su ejecutor, da paso al tango final, emocionante y esperanzador, personalizado en la voz de Rocío Zamora y en la guitarra de Gabriel Pérez. El apoyo audiovisual a cargo de Daniel Ortega fue un punto decisivo para rematar el mensaje de esperanza. Una veintena de mujeres, bailando la rabia del asesinato desde la pantalla, resucitan al fantasma del Cervantes para siempre y lo convierten en la mujer vencedora. El Teatro Apolo puesto de pie, arropó con su atronador aplauso el gran trabajo estrenado esa noche. Sin duda asistimos a la andadura de una obra que dará mucho que hablar. Enhorabuena a la labor artística y coral de ‘Nunca el silencio’ de la que he tenido la suerte de formar parte, y en particular a  Leticia Valle, quien defiende en solitario por primera vez en su carrera con tanta solvencia, una puesta en escena de este calado.  “Apostaste y luchaste por una nueva vida con dignidad y eso siempre es ganar, Concha Robles. Nunca el silencio”.

MAR DE LOS RÍOS

OJOS DE MUJER, ENERO 2019: O´KEEFFE O EL MODERNISMO DE MUJER

CABEZA DE CABALLO CON ROSA

MANHATTAN

Georgia Totto O’Keeffe (EE.UU. 1887 – 1986) fue una artista estadounidense, conocida en especial por sus pinturas de flores, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México. O’Keeffe ha sido reconocida como la “Madre del modernismo estadounidense”. En 1905, O’Keeffe comenzó su formación artística formal seria en la escuela del instituto del arte de Chicago y después en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York, pero se sentía limitada por sus lecciones, que se enfocaron en reconstruir o copiar lo que estaba en naturaleza. En 1908, trabajó durante dos años como ilustradora comercial, y luego pasó siete años entre 1911 y 1918. Arthur Wesley Dow,  fue quien apoyó sus obras de arte creadas basadas en estilo personal, diseño e interpretación de temas, en lugar de intentar copiar o representar. Esto causó un gran cambio en la forma en que se sintió y se acercó al arte,

Se mudó a Nueva York en 1918 y comenzó a trabajar seriamente como artista. Desarrollaron una relación profesional, promovieron y exhibieron sus obras y una relación personal que llevó a su matrimonio en 1924. O’Keeffe creó muchas formas de arte abstracto, incluyendo primeros planos de flores, como las pinturas de Red Canna, que muchos creían que representaban los genitales de las mujeres, aunque O’Keeffe negó consistentemente esa intención. La reputación de la representación de la sexualidad de las mujeres también fue alimentada por fotografías explícitas y sensuales que Stieglitz había tomado y exhibido de O’Keeffe.

Sus pinturas de paisajes de Nuevo México e imágenes de cráneos de animales, como “cráneo de vaca: Rojo, Blanco, y azul” y “la cabeza del espolón Hollyhock blanco y pequeñas colinas”, son emblemáticos de su etapa madura.

En 2014, la pintura de 1932 Jimson Weed se vendió por $ 44,405,000, más de tres veces el récord de subasta mundial anterior para cualquier artista femenina.

El museo de Georgia O’Keeffe fue establecido después de su muerte en Santa Fe.

OJOS DE MUJER, DICIEMBRE 2018: CARMEN PINTEÑO, OJOS DE INDALIANA

 

Carmen Pinteño en una de sus exposiciones

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Carmen Pinteño (Huércal Overa, Almería, 1937) Es una pintora considerada una de las mejores de las almerienses del siglo XX. Especializada en los paisajes al óleo, su obra continúa el Movimiento Indaliano de los años 50. Ha recibido numerosos galardones, siendo el primero de ellos el de la Exposición Provincial de Almería, que recibió en1961. Obtuvo tres años más tarde, en 1964, la Medalla de Oro en la Exposición Nacional celebrada en Logroño, y una Mención de Honor en el Salón de Verano de la ciudad de Nueva York, en 1995. Ha expuesto en numerosas ocasiones, tanto en solitario como en muestras colectivas. Cabe destacar la exposición del Salón de las Naciones de París, su participación en 1994 en la Goya Art Gallery y en 1993 en la galería Zenhid de Madrid.