MUJERES QUE LEEN, FEBRERO 2016. ÁNGELES CASO. TODO ESE FUEGO

ÁNGELES CASO (TODO ESE FUEGO)

PLANETA 2015 (254 páginas)

 

Todo-ese-fuego

Muchas de las personas que leen novelas basadas en las vidas reales se sienten interesadas por saber qué es verdad y qué es invención”.

Así comienza una de las breves explicaciones que la autora nos da al final de esta novela basada en la vida de las hermanas Brontë, las famosas novelistas británicas de la primera mitad del siglo XIX.

Angeles Caso nos deleita otra vez en Todo ese fuego con unas descripciones llenas de la poesía narrativa de la que me considero adicta, dentro de la trama enmarcada en la desgraciada biográfica novelada de la familia Brontë.

Emily, Charlotte y Anne serán las encargadas de llevarnos a través de estas 254 páginas por los páramos del rectorado de Haworth y con ello nos mostrarán a cada paso sus vidas grises y llenas de aristas. Describe la rudeza de una existencia plagada de estrecheces de esta familia, donde lo único que fue capaz de mantenerlas con el ánimo vivo fue su necesidad de escribir… juntas.

Nos devela muchos detalles de la dura vida del primer tercio del siglo XIX de estas hijas de un reverendo en una rectoría, apartada de cualquier sitio civilizado. Con esos preciosos ojos de mujer que Ángeles posee, nos desgrana en cada linea el esfuerzo titánico de estas hermanas por crear cada noche, después de cumplir con las tareas del hogar y cenar frugalmente, alrededor de una mesa común con un candil y una pluma como única tecnología posible.

La autora nos diferencia claramente los caracteres de estas hermanas escritoras que se suelen confundir y fundir con sus obras en los listados de la Literatura y nos desgrana a través de sus respectivas psicología el germen de sus novelas.

Y nos maravillamos, no nos queda más remedio, de saber quién fue Emily Brontë, un mujer con claros rasgos misántropos en contraposición a su instinto pasional para describir una de las historias de amor más ardientes de la Literatura Universal en Cumbres Borrascosas, sin haber conocido nunca el amor.

También nos funde la vida y obra de Charlotte, mucho más cosmopolita y abierta, con un claro afán de notoriedad a través su obra, equiparable a un escritor masculino y que fue realmente la última superviviente de esta saga, quien tuvo apenas tiempo de saborear las mieles del éxito. Jane Eyre, Villete, Sherley, El profesor o Enma, constituyen toda su obra, por otro lado prolífica para una autora que muere con 39 años.

La hermana pequeña, Anne es la menos conocida, pero también aparece como parte importante de la novela, como lo era de la vida de los Brontë, en un hogar huérfano de madre precisamente cuando murió de parto de esta hija.

Las poetas. En 1846 Charlotte descubrió por casualidad las poesías que escribía su hermana Emily. Las tres hermanas Brontë decidieron entonces publicar un libro de poesía conjunto. Para evitar los prejuicios sobre las mujeres escritoras, las tres utilizaron seudónimos masculinos (los nombres que usaron fueron Currer Bell, Ellis Bell y Acton Bell). Las poesías de Emily son incomparablemente las mejores del tomo, no cabiendo duda de que es una de las mejores poetisas de Inglaterra. Las de Anne, aunque no de tan alto nivel, son también superiores a las de Charlotte, cuyo talento era esencialmente novelesco. Sólo se vendieron dos ejemplares del libro, que pasó inadvertido; pero las Brontë no se desanimaron por ello y decidieron escribir una novela cada una. Esta faceta es casi desconocida en España, a la que Ángeles le dedica una atención notable.

Pone de manifiesto las claves del triunfo de una mujer letrada de esa época, remarcando para ello la condición casi sin ecuanon, de poseer un progenitor amante de la cultura, convencido de sus beneficios para el desarrollo del ser humano, hasta el punto de obviar los prejuicios sociales de la época. De permitir que sus vástagos, cinco chicas y un chico, dediquen todo el tiempo posible a gozar del placer de la lectura y de la escritura.

Nos explica la circunstancia de que publicaran con seudónimo masculino durante toda su vida para ser tenidas en cuenta, hecho totalmente habitual, en un sistema editorial ingenuo, pero mucho más efectivo que el actual según para qué cosas, donde bastaba una dirección para que te mandaran a casa un giro con los beneficios de tu obra, sin necesidad de nada más. La identidad en sí misma no era importante, si no la obra. (Igualito que hoy en día, sobre todo en España).

En 1846 se publicó Cumbre Borrascosas con una tibia acogida por la critica por su rompedora originalidad.

Charlotte y Anne, en octubre 1847 publican sus respectivas novelas: Jane Eyre y Agnes Grey con un sistema de auto publicación donde ellas adelantaban el dinero, en caso de que no se vendiera la tirada.

En febrero de 1848 ya se habían vendido 2.500 ejemplares de Jane Eyre

La perspectiva de género que constituye parte del estilo de Ángeles Caso, queda patente con reflexiones omniscientes de la autora, que salpican toda la novela, las cuales nos subrayan de tanto en tanto, lo difícil que es ser mujer fuera de los cánones esperados por la sociedad victoriana de la época.

Por tanto no puedo más que recomendar la lectura de esta novela, Todo ese fuego, en la que he de confesar que lo que menos me gusta es el título y no sabría decir muy bien el porqué.

Otro apunte final es que quizá haya que ser amante de la literatura inglesa del XIX para leerlo con la misma alegría que lo he hecho yo en dos tardes y desde luego recomiendo empaparse previamente con esas esas dos joyas de la Literatura Universal, si es que no se ha hecho todavía: Cumbres Borrascosas y Jane Eyre.

Gracias, Ángeles, por seguir bailando en este loco e injusto mundo de la literatura española, a pesar de todo y de todos; por ser capaz de sacarte las hojas podridas de la decepción y seguir cultivando el cogollo de tu esencia, que tanto nos enriquece, que tanto nos hace falta.

En Otrasquebaileen siempre serás la reina del guateque.

MAR DE LOS RÍOS

FEBRERO 2016

MUJERES QUE LEEN, ENERO DE 2016: CUANDO ÉRAMOS ÁNGELES. BEATRIZ RODRÍGUEZ

CUANDO ÉRAMOS ÁNGELES

BEATRIZ RODRÍGUEZ

SEIX BARRAL, BIBLIOTECA BREVE. ENERO 2016

(251 páginas)

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Cuando éramos ángeles, se trata de una novela recién salida del horno y que he tenido el placer de leer como avance editorial antes de su venta, durante diciembre de 2015.

Hoy 7 de enero de 2016 inicia su andadura en las librerías.

Es una historia ambientada en un pueblo del sur de España con todo lo que ello conlleva. Un asesinato en un pueblecito de sierra mal comunicado, y como consecuencia con un universo propio, es el desencadenante de la descripción de todo el ambiente rural que, Beatriz Rodríguez demuestra conocer hasta límites insospechados y que solo los que hemos vivido esos veranos podemos ser capaces de identificar.

El marcado mundo masculino lleno de alcohol, tabaco y drogas como principal pasatiempo; la música y los bailes como puente entre los integrantes de las pandillas; los forasteros que pasan a ser los reyes de las fiestas; las recetas de cocina que aportan parte de ese olor y sabor rotundo de la novela… Y el sexo… todo sabe a sexo desde los ojos, desde los centros de las mujeres… El acoso de las niñas por vivir su sexualidad de manera libre, el miedo a los embarazos, la decisión de hacerse dueñas de sus vidas desde principio a fin, a pesar de todo, a pesar de que en los pueblos, más que en ningún sitio, la vida de las féminas es difícil, sea el tiempo que sea.

El hilo conductor lo componen Clara, una periodista que vive en ese municipio de manera accidental y que tratará de averiguar las circunstancias en las que ha muerto Fran, y este mismo, el hijo del cacique del pueblo y que aparece sin vida en el camino de la ermita de San Mateo con signos de violencia; el muerto era el guapillo rural, ese que apesta a testosterona y a cubata y que se convierte en el acicate que nos conduce con maestría a lo largo de veinte capítulos.

El despertar de la inocencia, dando saltos en el relato entre los adolescentes que fueron los adultos que rodean el cadáver, compondrán una atmósfera de intensa tensión sexual que enciende e incendia las páginas.

Cuando éramos ángeles nuestros zapatos no estaban manchados de sangre. No conocíamos la culpa y las noches eran para dormir, no para despertar remordimientos…

Un verbo suelto y limpio, no ausente de poesía, se alza como la columna vertebral de la obra, como la carta de presentación de la autora.

Portada blanca con una flor roja o/y una mancha de sangre. El arte de la imagen adecuada, arropa debidamente a un buen texto. La importancia de las fachadas. Fundamental.

Me gusta la dedicatoria de la autora a: Ernesto el Aventurero, que mató al dragón y me invitó a bailar sobre sus relucientes escamas. Denota la inevitable nostalgia del primer amor… y que merece siempre una novela…

Cuando éramos ángeles es una historia bien condimentada, que levanta las cortinas del mundo femenino, la red de mujeres que convive muchas veces invisible paralela al mundo de verdad, el masculino, y que sin embargo lleva entretejiéndose desde el principio de los tiempos. La excitación sexual femenina está bien trabajada, algo que resulta indispensable para las voces narrativas que están abocadas al triunfo y que en este caso, para mi gusto, está más que justificado. Para concluir, el ritmo impuesto con capítulos cortos y títulos originales que apelan a la curiosidad, junto con una voz coral equilibrada, ponen la guinda de un pastel ante el que no cabe más que deleitarse.

Beatriz Rodríguez es una voz muy interesante que, a pesar de su juventud, (Sevilla, 1980) aporta una dilatada trayectoria en el entramado editorial español. Licenciada en Filología Hispánica y siendo esta su segunda novela, su ágil pluma y su entrada por la puerta grande al mundo de la narrativa con mayúsculas de la mano de Seix Barral, la posicionan como una autora que va a dar mucho que leer.

Vaticino que, Cuando éramos ángeles, podría ser uno de los grandes éxitos editoriales del 2016, así lo deseo de todo corazón.

Enhorabuena, Beatriz Rodríguez, bienvenida a Otrasquebaileen, porque tú ya estás en la pista dándolo todo…

MAR DE LOS RÍOS

ENERO, 2016

OJOS DE MUJER: ENERO 2016. MARINA ABRAMOVIC O EL ARTE EN CARNE PROPIA

OJOS DE MUJER, ENERO 2016.

Marina Abramovic: El arte en carne propia.

El miedo a morir…

El miedo a sufrir…

El miedo al dolor…

Muchos artistas trabajan con estos temas pero yo quería experimentarlos dentro de mí. Frente a un público.

En algunas de mis piezas expongo mi cuerpo al límite. No quiero morir, no me interesa la muerte. Me interesa saber hasta dónde puede llegar el cuerpo humano. Cuál es el límite”.

Ritmo 10, (1973, su primera performance) Marina se sienta en el suelo, frente a una fila de cuchillos de todos los tamaños y dos grabadoras. Coloca su mano y escoge uno de tantos. Comienza a apuñalar los huecos entre sus dedos, rápido, más rápido. Cuando la hoja entra en contacto con su carne no se detiene, solo escoge otro cuchillo con el que proseguir hasta la veinteava vez. Solo entonces detiene el ritual para escuchar la grabación e intenta imitar los sonidos. Los errores. Mezclando así pasado con presente.

En el caso de Ritmo 0, en 1974 Dispuse 72 objetos encima de una mesa bajo la instrucción: “Soy un objeto, puedes hacer lo que quieras conmigo” en ella había elementos enfocados para el placer, pero también para el dolor; y aguantaría cualquier posibilidad durante 6 horas.

Dispuestos sobre una mesa encontrábamos una rosa, perfume, un trozo de pan, uvas, vino… Y luego utensilios como tijeras, cadenas e incluso una pistola con una bala.

Sabía que estaba en riesgo pero quería conocer qué haría el público en este tipo de situación.

El público al principio se mostraba tranquilo, pero poco a poco fueron escogiendo los objetos que antes no se atrevían. Me clavaron espinas de rosa en la barriga, me cortaron la ropa, encadenaron los pies y me apuntaron con la pistola en la cabeza hasta que alguien hizo que parara. Sí, realmente temí por mi vida.

La experiencia que aprendí fue que… si se deja la decisión al público, te pueden matar… Me sentí realmente violada… Se creó una atmósfera agresiva. Después de exactamente 6 horas, como estaba planeado, me puse de pie y empecé a caminar hacia el público. Todo el mundo salió corriendo, escapando de una confrontación real.

Con esta performance experimenté con los límites en la relación artista-público.

Me invitaron a ir a Ámsterdam para un programa de televisión sobre el “Body Art” y la primera persona que conocí fue a Ulay, un artista de performance germano-occidental y esa misma tarde ya estábamos enamorados el uno del otro. Fue la relación más importante y pura de mi vida y duró muchos años.

Nunca conocí un amor así con una mujer u hombre con esa cualidad tan simbiótica. Fueron 12 años en los que nunca dejó de crepitar esa llama.

IMPONDERABILIA (1977) Fue una de las colaboraciones con Ulay. Una performance en la que el artista quería formar parte tanto como una pieza del museo. Fuimos invitados a participar en la exposición de performances en Bolonia.

Nos colocamos completamente desnudos e hicimos estrechar las paredes en la entrada del museo para que la gente que quisiera acceder a la exposición tuviera que pasar a la fuerza entre nosotros. Así que era decisión del público elegir a qué torso desnudo enfrentarse, si al femenino o al masculino.

Los conceptos a investigar en las actuaciones de la pareja fueron el ego y la identidad artística

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Tras numerosas performances colaborando juntos como resultado de su conexión afectiva y laboral el camino de los dos amantes terminaría en 1988, con la performance “The lovers” en la que caminarían desde cada extremo de la muralla china con el objetivo de encontrarse una última vez. Una despedida llena de emoción, meditación y cargada de sentimientos contradictorios en la que se expone ese mundo interior a un estado físico y simbólico como este recorrido, sacado de un sueño de la artista.

<<Y finalmente aquí estoy. (…) Con el corazón lleno de miedo y listo para caminar por el pasado y el presente en un país que no entiendo. >>

Como resultado de su ruptura se produjo un documental de una hora que se puede encontrar en versión original (en inglés) en Youtube.

Enlace: https://www.youtube.com/watch?v=zaso0j9x098

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En 2010 el Moma inauguró una retrospectiva de la carrera artística de Marina en la que ella quiso participar realizando una vez más arte en directo. Colocándose en una silla inmóvil durante 716 horas y media frente a otra en la que el público podía sentarse durante un breve espacio de tiempo para de alguna manera conectar con la artista de manera inmediata. Qué mejor forma de conocer el arte de Marina Abramovic que permaneciendo frente a ella. A cara lavada, sintiendo esa energía vital, esa inmediatez que la artista siempre ha buscado desde que se introdujo en el mundo del aquí y el ahora.

Lo que Marina desconocía es que Ulay aparecería frente a ella, 23 años después de su ruptura. El momento quedó registrado por las cámaras y los asistentes. Consiguiendo que esa artista que permanecía inmóvil, en estado de contemplación rompiera a llorar emocionada, agarrando las manos de su ex amante por última vez. Un momento fugaz pero tan intenso que solo puedo recomendar verlo:

https://www.youtube.com/watch?v=OS0Tg0IjCp4

Marina no es muy conocida en España por lo radical o masoquista que puede parecer su obra en los tiempos de censura de una España de finales de los 70, principios de los 80, en los que el cambio llegaba despacio, y la semilla de la artista tardaría en prosperar. Es mucha la gente que no sabe cómo enfrentarse a una performance. Acostumbrada a pasear por museos estáticos de metodología costumbrista y sobria en contraste con lo incómodamente cercano y exuberante de una de estas demostraciones de arte corporal.

Al igual que aconsejaba con la producción fotográfica de Diane Arbus todo reside en olvidarse de los convencionalismo y del factor de “lo establecido”; lo que puede parecernos estéticamente bueno por ser placentero a la vista, por ser sereno y prudente. Lo siniestro, lo desconocido o lo macabro no pueden excluirse de lo bello, ¿por qué deberían hacerlo? ¿Acaso conocemos con certeza un filtro científico por lo que un objeto pueda ser bello o no serlo?

El arte es mágico, benévolo a la vez que frívolo; fabuloso a la vez que perverso que hace que todo y nada pueda ser considerado.

MARINA HERNÁNDEZ

ENERO 2016

NOTICIAS, ENERO 2016: Ni príncipes ni princesas. Los cuentos de Olga de Dios

Los cuentos cuestionan las relaciones de género. (Olga de Dios)

BoooKids, la primera feria internacional de literatura infantil, apuesta por relatos que educan en la diversidad. Los libros de Olga de Dios son un buen ejemplo de ello

MONSTRUOROSA

Un monstruo rosa que se siente incomprendido en un mundo poblado por monstruos azules. Un pájaro amarillo cuyas alas son demasiado cortas para volar, y contempla cómo sus congéneres viajan a tierras lejanas mientras él permanece pegado al suelo. Los protagonistas de los libros infantiles de Olga de Dios son personajes que aprenden a superar sus desventajas en un mundo que, como el real, está dominado por la normatividad. Es decir; personajes sin miedo a transgredir.

http://elpais.com/elpais/2015/12/27/tentaciones/1451213313_950405.html

 

MÚSICA PARA BAILAR, ENERO 2016: ELLA BAILA SOLA, CÓMO REPARTIMOS LOS AMIGOS 1996

MÚSICA PARA BAILAR, ENERO 2016: Ella Baila Sola, CÓMO REPARTIMOS LOS AMIGOS.  Era este un dúo musical femenino español que estuvo en activo desde 1996 hasta finales de 2001, formado por Marilia Andrés y Marta Botía, actualmente activo con una de sus integrantes originales Marta Botía. Estas dos jóvenes madrileñas saltaron a la fama rápidamente cuando a mediados de 1996 publicaron el primer sencillo de su carrera “Lo echamos a suertes“, canción que sería un éxito en España y América y que se mantuvo cómo número 1 en todas las listas musicales . En sólo unos meses ya habían conseguido vender más de 1.500.000 copias de su álbum debut, consiguiendo ser uno de los tres discos más vendidos de ese año. Las ventas estimadas de todas las producciones musicales del dúo son de 5.000.000 copias en la actualidad (2012). Se encuentran en el puesto Nº 35 de la lista de “Artistas españoles con mayor venta de discos”. Particularmente sentí mucho su retirada, eran muy originales.

ARTÍCULOS, ENERO 2016: ENTREVISTA A NADIA GHULAM “Siempre ha habido asesinatos de mujeres con poder”

ARTÍCULOS, ENERO 2016: DERECHOS DE LA MUJER | ENTREVISTA A NADIA GHULAM »
“Siempre ha habido asesinatos de mujeres con poder”
Nadia Ghulam, mujer afgana, se hizo pasar por su hermano
Sobrevivió como hombre en pleno régimen talibán para poder trabajar y mantener a su familia.

http://elpais.com/elpais/2015/12/28/planeta_futuro/1451301562_119061.htmlNADIAGUHULAM

MUJERES QUE LEEN, ENERO 2016: LA FLOR DE LA PLAYA Y OTRAS NOVELAS, CARMEN DE BURGOS

La flor de la playa y otras novelas cortas.

Ediciones Castalia Instituto de la mujer, biblioteca de escritoras 1989, edición, introducción y selección de Concepción Núñez Rey.

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Carmen de Burgos y Seguí (Almería1867-Madrid1932)

Para mí hablar de Carmen de Burgos y su obra es siempre un gozo inconmensurable. Si Otras que Baileen pretende ser un Universo donde las mujeres encuentren la luz de las demás para prender su propia llama, Carmen en ese Universo sería la Osa Mayor. La vida y obra de esta mujer darían para llenar una biblioteca de altísima calidad literaria con la filantropía con ojos de mujer que lleva toda su producción. Ella se dedicó a escribir sin parar desde que decide irse a Madrid en 1901. Es la primera mujer periodista de España, la primera corresponsal de guerra en la Guerra de Marruecos, viajera impenitente por multitud de países que la recibieron siempre con los brazos abiertos en los años que les tocó vivir. Porque Carmen fue, es una digna representante de la llamada Generación de 98 a la altura de Unamuno, por ejemplo. Sin embargo, con la llegada de la dictadura, fue enterrada en los estratos más profundos del olvido. Una mujer que hablaba del divorcio y que abogaba por la independencia económica y emocional, no era en absoluto bien recibida por el paradigma de ángel del hogar que se inculcó en este país durante el medio siglo posterior a su desaparición. Cultivó todos los palos pero especialmente el género de novela corta que tanto éxito tenía en el primer tercio del siglo XX. La peculiaridad de las de Carmen era que sus heroínas siempre estaban encarnadas por mujeres que andaban lejos del agujero doméstico, que querían volar y hacer algo por ellas mismas en la sociedad de su tiempo, con ese toque optimista y conciliador con la vida, con el sello de Burgos.

Esta selección que nos hace la que podría llamarse su heredera por derecho, Concepción Núñez Rey, catedrática de literatura en la Complutense y quien ha dedicado toda su vida a desenterrar a nuestra Carmen, es la responsable de este precioso volumen. Nos introduce en el mundo de Carmen de manera tan magistral que ya nunca querremos salir de él. Es como colarse por el agujero del árbol de Alicia. Para mí tienen especial valor aquellas que describen su mundo de la infancia en Almería, Rodalquilar, como por ejemplo El Último contrabandista ó la Flor de la Playa. Ese escenario primitivo, salvaje, por suerte aún reconocible en nuestra tierra, el Paraíso del que bebió la mujer sabia. Los paisajes de Cabo de Gata como fondo de mar de las historias, son muy hermosos de paladear. En definitiva, son una selección de novelas que se leen de mil amores, que han envejecido estupendamente, como todo lo bueno, y que recomiendo fervientemente como Carmencista hasta la médula que me considero. La sonrisa, la calidad y la calidez que la autora nos ofrece de la vida femenina, a pesar de los pesares, la convierten en una de la reina de la fiesta de: Otras que baileen.

 

MAR DE LOS RÍOS

ENERO 2016

OJOS DE MUJER, DICIEMBRE 2015: SOLEDAD SEVILLA, PINTORA (1944)

OJOS DE MUJER, DICIEMBRE 2015: SOLEDAD SEVILLA (1944)

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Para pintar hay que tener por delante al menos cinco horas. La soledad es imprescindible para la artista. Con estas afirmaciones me he quedado prendada de ella, de su rica soledad, en este reportaje del programa Imprescindibles de TVE 2 que emitió el 4 de diciembre de 2015.

IMPRESCINDIBLES TVE 2: SOLEDAD SEVILLA

Soledad Sevilla,(1944) pintora valencia, artista plástica de prolífica y solvente obra, la cual tiene un pilar importante en la poesía, como demuestran sus lecturas e interpretaciones de Pessoa.

Y es hoy aquel mañana de ayer (Machado). Otro verso que acompaña con su voz en este reportaje, que no deja de incidir en una de las constantes de los que buscamos la soledad creativa: el inexorable paso del tiempo que nos empuja a avanzar con la mente y el cuerpo ocupados en una comunión artística.

Soledad Sevilla actualmente reside en Barcelona. Estudió en la  Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge en Barcelona, siendo sus estudios luego ampliados en Madrid.

Su carrera artística comenzó a finales de los sesenta con posiciones próximas al minimalismo pictórico, etapa que abandonó en los años setenta tras su participación en el Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas desarrollado en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid.

Al principio de la década de los 80 realizó estudios en la Universidad de Harvard. 1993 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. Su obra forma parte de entidades tan importantes como el madrileño Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Künstmuseum de Malmö o el Maugame Hirai en Japón, el Parlamento Europeo o el Patrimonio Nacional.

En la actualidad debido a una enfermedad se dedica a los lienzos en lugar de a los grandes formatos de las instalaciones, entre los que destacó la proyección del patio renacentista del Castillo de Vélez Blanco (Almería) filmado en el Museo Metropolitano de Nueva York.

El reportaje ‘Milímetro de soledad’, retrata el proceso de creación de la última obra pictórica de Soledad Sevilla, ‘Nuevas lejanías’ y hace referencia a las lejanías del paisaje que retrata y a la lejanía que “sentimos los artistas respecto a la sociedad”, según palabras de la propia artista. ‘Imprescindibles’ la acompaña en su proceso creativo a través de esta cinta de Yolanda Villaluenga,

En el documental Soledad Sevilla  insiste en “la importancia de un milímetro”. En realidad, dice más: “La importancia del medio milímetro”. Para la artista, es definitiva esa precisión, ese detalle que marca la diferencia entre un trabajo bien hecho y “lo otro”. Hablar de Soledad Sevilla es hablar del amor por aquello que ejecuta con pasión y “ese dominio del sistema que ha obtenido de los años de trabajo”. “Para el arte es importante la experiencia acumulada”, asegura Soledad.

La cámara asiste al silencio de su estudio donde se entrega a contrarreloj a finalizar los últimos cuadros, mientras le interrumpen otros requerimientos. El equipo de RTVE la acompaña a El Escorial, donde dicta una conferencia sobre el devenir de su obra, y a Granada, donde monta una instalación y una exposición con obra de los años 80. Lastima que la última exposición en Granada de la que nos hablan que ya no está desde septiembre.

Me ha encantado esta artista que os invito a conocer, esperando que guste en Otras que baileen. Yo he bailado con su obra y he aprendido muchísimo de ella a través de sus Ojos de mujer.

MAR DE LOS RÍOS

DICIEMBRE 2015

ARTÍCULOS, DICIEMBRE 2015: EL BALLET DE LA BELLA DURMIENTE

ARTÍCULOS, DICIEMBRE 2015: EL BALLET DE LA BELLA DURMIENTE.

ARTÍCULO PUBLICADO EN LA VOZ DE ALMERÍA. SECCIÓN OJOS DE MAR (24 DE NOVIEMBRE 2015)

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LA BELLA DURMIENTE DESPIERTA EN ROQUETAS DE MAR

Y la Bella Durmiente despertó del sueño de cien años, con el beso de amor que le brindó Roquetas de Mar. La belleza sublime del ballet clásico lo hizo posible.

No hay nada más excitante que observar las caras de quien se dispone a ver un espectáculo. Nos visita en Roquetas de Mar uno de los grandes del Ballet, La Bella Durmiente, a cargo del Russian Classical Ballet. Me sorprende gratamente escuchar por doquier hablar en ruso en la sala mientras busco mi asiento. Sonrío ante los grupos de mujeres que han decidido acudir al auditorio. Pasan por mi lado niñas-hadas con sus madres y abuelas, que acuden emocionadas al espectáculo con guirnaldas en el pelo y faldas vaporosas. Qué niña no ha querido alguna vez calzarse unas zapatillas mágicas y saltar entre capas de tul… Yo fui, yo soy una de ellas…

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Y comienza la obra con la rotundidad de Tchaikovski. El argumento está basado en uno de los cuentos populares de Perrout sacado de su libro “Cuentos de mamá Oca” de finales del XVII. La música tampoco nos puede ser ajena, puesto que Walt Disney hizo una gran labor de divulgación de la literatura y la música clásica a lo largo del siglo XX.

Y con un libreto conocido, el público se puede deleitar ante esta disciplina que hace que, a través del trabajo sobrehumano, una quede envuelta por una sensación tan etérea. Incluso podemos hacer el ejercicio de imaginar cómo sería esa primera función del estreno que tuvo lugar el 15 de enero de 1890 en San Petersburgo para el zar Alejandro III, y quien sólo supo decir “Muy bonito”, ante el maestro Tchaikovski.

Pertenece a lo que hoy conocemos como “ballet imperial” y el movimiento que la vio nacer fue el Romanticismo tardío. En él los argumentos de las obras van a girar alrededor del amor; domina la fascinación por lo fantástico, los sueños, lo sobrenatural, y la bailarina será siempre la protagonista que dé vida a las obras. Sobre ella recaerá todo el protagonismo de la escena, desplazando al bailarín a un simple papel de partenaire.

Y observando a estas mujeres mágicas, es imposible no preguntarse cuándo surgirían las zapatillas de puntas. Nacen precisamente en esta época dorada de la segunda mitad del XIX. Permitirán dar al público la ilusión de que flotan en el escenario. Maria Taglioni (1804-1884) será la primera en realizar dicha hazaña con su interpretación en el ballet La Sílfife, A partir de este momento las mujeres pasarán de no tener ninguna relevancia en la danza a merecer un papel que no sólo es el principal, sino el imprescindible.

El ballet La Bella Durmiente es una de las obras más representadas y por ello uno de los más amados y reconocidos en cualquier parte del mundo. Destacar su famoso Pas de deux (paso de dos) que corresponde a la escena del cortejo de Aurora con los príncipes, y hace que la protagonista quede desnuda ante la exhibición de control y equilibrio según la coreografía dispuesta para el momento. La brillantez de una gran bailarina debe dominar con solvencia, como es el caso.

El hada de las Lilas encabeza el elenco que protege a la princesa Aurora (Evgeniya Bespalova) del hechizo de la bruja. El vigor sobrenatural de los bailarines, especialmente del príncipe Désiré (Denis Karakashev), los muestra como suspendidos del techo cuando saltan sobre sí mismos con el solo impulso de esas columnas dóricas que tienen por piernas. Y volamos a través de las sucesivas piezas musicales de Tchaikovki y de la coreografía original de Marius Petipa, hasta un final apoteósico. En él muchos más personajes de los cuentos de Perroult acuden como invitados a la boda de los príncipes.

No estoy de acuerdo con que ésta sea una obra para niños. Si se ha mimado la capacidad de asombro, si se está dispuesta a ser atropellada por la sensaciones, entonces no habrá edad, no sabremos si es de noche o de día, si estamos en la Rusia de los zares o en la corte de Luis XIV…

Y me emociona saber de la gran aportación del siglo XXI a esta versión: la princesa Aurora es la directora del espectáculo. Eso le pone la guinda al pastel de este trocito de Europa, de la nuestra, de la de ayer, de la de hoy, la que tenemos el placer de degustar: erase una vez un cuento francés con música y ballet ruso, interpretado en Almería con una sala llena de hombres y mujeres de no importa dónde… ¿Alguien da más?

MAR DE LOS RÍOS

DICIEMBRE 2015